我們學習一門技藝，很多時候都是從模仿開始的。模仿也正是學習的一種重要手段。模仿古琴名家是古琴彈奏者最初學習階段的重要手段，或者也可以說是每個古琴學習者不可缺少的手段。從演奏的一招一式，比如指法、動作，再到對每個聲音的要求和把握，以及對整個古琴樂曲速度、力度、音色等各方面的追求等等，我們都可以去嘗試模仿。
然而，模仿僅僅是一個階段，而不是彈奏者最終要追求的目標。古琴音樂是活的，它也是要跟隨時代的步伐而不斷變化的。畢竟每個時代有每個時代不同的語境，古琴音樂也同樣。另外很重要的一點在于每個古琴演者對古琴音樂的理解、領悟又都不同，這是個性化存在的前提。彈奏者對古琴名家的過于模仿，等于是對他們的過度依賴，彈得再相似，稱其量也只能是“某某第二”，最終沒有自己的一些東西，更無所謂什么個人風格。
賢風吟古琴研究院研究認為，彈好古琴，需要多聽多比較。通過對不同風格音樂作品、不同演奏家對同一首作品的演繹等多方面的欣賞，不斷拓展我們聽覺的感受、思維的開闊，是提高和完善我們古琴音樂欣賞乃至二度創作能力的重要影響因素。比如同樣是《瀟湘水云》一曲，在基本曲調，是一樣的，但是不同古琴演奏家的演奏技巧卻不一樣，風格是各不相同的。賢風吟古琴研究院研究認為，我們在學習中，尤其是對傳統曲，不一定非得抱著某個古琴演奏家的演奏不放，唯馬首是瞻，畢竟對傳統古琴曲的演繹的余地很大。我們在保證古琴音樂本身風格的基礎上，對左手的拿捏有很大的開拓空間。當然，上面提到的模仿，在右手是相對容易的，彈奏可以做到形似，然而在左手就不一樣了，它看不到，只能用耳朵聽，甚至用心體會。演奏者自身是古琴音樂的解釋者，是古琴音樂內涵的傳達者。判斷一個人的演奏是否到位，很重要的一個方面就是看其音樂表演是否投情。要做到投情，關鍵還要看演奏者個人的體驗是否深刻和到位。也就是說，在古琴演奏中，光有技巧是不夠的，還需要有一定的情感依托、支持，否則很容易陷入無病呻吟的狀態，也就很難設想能打動觀眾的心而產生共鳴了。